艺术家李乃蔚

　　导言：走进李乃蔚的画室，满屋墨香飘溢，宽敞的房间里错落有致地摆放着各种画具和旧摆件，墙壁上挂着两幅未完成的画作。李乃蔚为人极其低调，但谋面后即会给人留下质朴、健谈、亲和的印象。雅昌艺术网通过对李乃蔚的专访探讨武汉的艺术输出与生态变迁，而这些艺术家的迁移又给这座城市带来哪些影响?

　　传统中国工笔中的现代精神

　　雅昌艺术网华南站：可以先从您的创作上来谈，您的创作初期是创作一些连环画，您为什么会对连环画感兴趣?

　　李乃蔚：连环画的创作与我小时候有关，我画画起步得很早，十岁以前开始一直坚持到现在，基本上最长的空缺也没有超过半年。这个算是天性，绘画的高低最终是人天性的呈现，也就是本心的东西。有的人天生就是喜欢拿笔画画，画得好不好是一回事，而有一些人天生就喜欢一天到晚在外边跑步，所以我说绘画是天性的东西。

　　雅昌艺术网华南站：您小时候看连环画会不会对对您的创作有什么影响呢?

　　李乃蔚：连环画是什么呢?当时我们能接触与艺术相关的只有连环画，那个年代的娱乐项目没有电视，最多是收音机，但收音机是声音，人对世界的感官是视觉、听觉、嗅觉、味觉和触觉，我们那个年代有耳朵听的，所以眼睛看的也必须得有，但是相对比较少。

　　雅昌艺术网华南站：您后来的创作方向转向了工笔，跨度挺大的，是什么原因或者什么经历触发您的转变呢?

　　李乃蔚：我有一篇文章里谈到一个成熟的中国画家应该是从线描开始，连环画属于线描。工笔是什么样呢?线描、上色、附色，工笔。工笔熟悉了就是小写或者兼工带写，最后才是大写意。有一本书叫做《中国画历代绘画技法图典》，是由知名理论家卢辅圣书写，他的传统理论艺术修养还是不错的。这本书从汉代开始到现代技法的梳理，特别是人物画。因为他是06年出版的，我很有幸排在他最后的一个画家，我的前面就是何家英，他就是谈技法的演变，为什么我比较欣赏他的东西?卢辅圣我不认识，但这本书涵盖了中国画的所有分类。他开篇的一段话说得非常到位，他说：“中国画是中国传统，进入这个绘画系统不管你是莘莘学子还是赫赫大师，都得从中国画的规范一步步走过来。”他的定调非常准确，因为中国本土的艺术跟西方古典的本土艺术是一样的，虽然两个文化的起源不一样，但是它的发生和发展过程是一样的。

       改革开放后我们大量接触西方现代和当代的艺术，实际上西方的当代艺术和现代艺术的宗旨是批判古典和传统。靳尚谊老先生在接受中央台的采访时说到：“我的油画拿到世界上顶多算一个三流的油画。”老先生这个话第一是他人本身很谦虚，第二说白了也确实是。油画来自于西方的，是他们文化的一个传承和精髓。中西文化体系不一样，卢辅圣先生认为中国画也得从源开始，绝对不能学流。而现在很多油画，除了国画以外版、雕、油画等等我们学的都是流而不是源。那一年武汉的领导安排我们到欧洲去参观美术馆，当时冷军、王新耀、我，还有一些画家大概有七、八个人一行人基本上跑了八个欧洲国家，参观了法国的卢浮宫、奥赛博物馆，蓬皮杜艺术中心和意大利的乌菲齐等等。看了一遍以后有一个感觉，虽然我学中国画，但我对西画还是有一定兴趣的，我发现人家传统的发展跟中国画也一样，也就是传承有序。例如最早中世纪的绘画大量的是宗教绘画，后来的油画，堪培拉和墙上的室壁画，发展到亚麻布这些最终成型的形式。这个过程是很清楚的，而且在欧洲油画是大量普及的，不论是专业还是职业的画家和画匠，包括很多大众和官员都有参与的。这点跟中国画的情况是一样的，在中国也有跟文人画一样。所以从这个意义上来说，中国人学他们的西画以及油、版、雕等等你能说你比他画得好吗?就跟一个美国人到中国来说我的书法和水墨画是一流的是一个道理。这是两个体系，我的这个观点不是指中西文化体系要对立，但是这两者可以互相借鉴，可以有一些融合，但是整体文化体系融合是不可能的，这是不同的种群、族群所决定的。

　　雅昌艺术网华南站：您曾说过一句话，想用传统的中国技法表达现代人的精神面貌，你在画作中是怎么体现这个观念的?

　　李乃蔚：邵大箴老师的文章谈到了这个问题，他在开篇就谈到我的工笔、水墨、线条、素描都能画，但最擅长的是工笔，因为我的专业是工笔。关键的一个问题是工笔画是很古老的画种，中国工笔画的历史比水墨画的历史要长得多，水墨画严格来说在唐代出现一些萌芽，但是真正的发展是在元代以后，特别是文人画的体现。汉墓包括马王堆那些东西都是工笔画，到后来的唐宋是鼎盛时期，严格来说工笔画这个古老画种的技法总体来说是一脉相承传下来的，各个朝代都有自己的特色。到今天为止，我认为最高级的还是宋代。宋代的绘画已经发展到一个巅峰，元代也有工笔画但比较弱，特别是到明清文人画的新契机。但文人画严格来说很多是业余画家，而从艺术专业上来区分，工笔画家严格来是专业画家。工笔画严格来说最早是宫廷画，也就是皇帝的御用画师，那些画师不仅十分专业的而且修养都是很高的。

　　我曾经在网上偶然看到有一篇提到我的文章，是一名研究生写的一篇关于油画的论文。文章里写到他认为古典油画罩染与跟中国工笔画的渲染有异曲同工之处，他还专门提到了一位工笔画家李乃蔚。他一直以为我的绘画是中国古典情调的古典油画，后来在展览中看到原作才知道是中国画，这说明什么问题呢?我在有意识和无意识之间吸收了古典油画的一些感觉。我认为技法既然要演进，那么就只能运用这个技法本身去发扬、去深化。比如工笔画由两个技法组成：一个是线条，一个是渲染或者色彩。线的技法当代人与古人很不一样，古人用毛笔的习惯跟我们今天用的钢笔是两个类型，古人的毛笔是长在手上，只要一提笔写字就是毛笔，一提笔画画就是毛笔。这个社会在进步，时代在变化，现在连钢笔都不用，而是被电脑所代替。中国文化在中国的历史甚至世界历史上是很特殊的，原来的四大文明古国只有中国是一脉相承传下来。既然中国画是本土的东西，我们的传统首先要吃透，光有传统不行，光有传统就成为现在很多画家走的一条路，把某个古人和某一个时代的传统临摹得很好，就成了自己的东西，那个肯定是不行的，我倒是觉得真正的传承是既要有继承又要有创新。

      十多年前尚辉在一篇《边缘的拓展》的文章中提到了我，是第九届美展2000年的时候，收录在他的专集《尚辉文集》里。他把当时整个九届美展的每一件中国画作品一一点评、归类，他用他的艺术眼光分析了王乙、何家英以及我的作品。他认为我们三人不仅继承传统，同时在传统的边缘又向外拓展。我们很有幸被理论家列入了这个行当，起码在当代来说，在继承传统里边还不算保守。传统绘画包括人物画在当下这个时代，社会的语境不一样，思维的方式也不太一样，但是有一点是相同的，继承中华传统文脉肯定是断不了的。任何画种都存在着演进，但如果创新过超越了界限，那么就不是中国画了。例如水墨可以实验，但是实验水墨是没有办法走下去的。但是实验毕竟是时尚的东西，而时尚的定位不是永久的，会过时的。到现在我发现一个很奇怪的现象，包括徐悲鸿、刘海粟最后都回归到传统上来了，齐白石、张大千虽然没有留过洋，但他们还在原生态的基础上有所创新、有所严谨。他们为什么都慢慢的殊途同归回到传统呢?说明中国文化强大的一个吸附，当然我们并不否认西方文化，其实这两者都有自身的优势。有些年轻人认为中国传统保守，国外的都是现代、先进的，中国文化上对不存在落后，西方很多哲学家跟我们孔老夫子阐述的道理都是相同的。我们特别是中国的年轻一代绝对不要有文化自卑，既然有几千年的优秀历史的传承，肯定不乏这个民族的智慧。为什么我们现在反过来对自己的文化采取一种贬低的姿态，我觉得人们在心态上文化自信太弱了，在当下我们整个国家都要强化我们的民族自信。